Visionen,
sichtbar machen

(Sammeln) Maison Ë zeichnet die Entwicklung dreier europäischer Kunstsammlungen nach, die sich aus einer privaten Vision heraus zu einem öffentlichen Erlebnis entwickelt haben. Im Mittelpunkt stehen die Beweggründe und Überzeugungen der Menschen, die diese Sammlungen aufgebaut und ihre persönliche Kunstwelt mit anderen geteilt haben. Zugleich geht es um die Frage, wie ihre Entscheidungen, sobald sie öffentlich sichtbar werden, neue Bedeutung entfalten – und das Sammeln selbst zu einer eigenständigen Kunstform machen.

Zwischen weinbewachsenen Hängen und den sich erhebenden Dolomiten befindet sich die Fondazione Antonio Dalle Nogare in einem von außen unauffälligen Betonbau, der von Walter Angonese und Andrea Marastoni entworfen wurde. Als Ort konzipiert, an dem das Private auf das Institutionelle trifft, wurde das Museum direkt aus dem Berg herausgehauen, wodurch eine materielle Verbindung zu seinem Standort erhalten blieb: Das verbliebene Gestein wurde gemahlen und wieder in den Beton eingearbeitet, was der Struktur Kohärenz und Tiefe verleiht. Tombak, rohe Eiche und großzügige Verglasungen mildern die materielle Strenge mit Wärme und Licht, während offene Räume Werken jeder Größe Raum zum Atmen geben. Ortsspezifische Auftragsarbeiten – wie die Fassade einer Bibliothek von Robert Barry und ein Gartenpavillon von Dan Graham – erweitern den Dialog zwischen Kunst und Architektur. „Ich habe immer eine gewisse Affinität zu Kunst empfunden, die weniger an ihre dekorative oder visuelle Seite gebunden ist – um es mit Duchamps Worten zu sagen – und mehr von einer bestimmten Vision getrieben wird“, erzählt Dalle Nogare Maison Ë. „Seit der Avantgarde kommt es nicht mehr auf das Bild an, das die Kunst darstellt, sondern auf das, was sie im Kopf der Betrachtenden erzeugt – was wir auf Italienisch immaginare nennen.“

Dalle Nogares Sammlung entstand aus genau dieser Überzeugung heraus. „Meine Auswahl basiert auf einer Kombination aus Instinkt und persönlichem Geschmack, verfeinert durch mein Wissen über Kunst ihren Kontext und ihre Motivation“, erklärt er. „Es gibt immer etwas Undefinierbares – eine Art Resonanz –, das mich zu einem Werk hinzieht.“

Bevor seine Stiftung Gestalt annahm, verbrachte Dalle Nogare Jahre damit, sich andere private anzuschauen und mit dem von ihm ausgewählten Architekten Ideen auszuarbeiten. „Die Beziehung zwischen der Hülle und dem Inhalt ist sehr wichtig“, sagt er. „Ich wollte ein Gebäude schaffen, das Kunst willkommen heißt, mit eigenem Charakter – minimalistisch, aber nicht anonym. Das Ergebnis ist eine Reihe offener, flexibler Räume, in denen Beton und Tageslicht einen klaren, ruhigen Rhythmus für die Betrachtung schaffen. Im Laufe der Zeit hat sich Dalle Nogares Herangehensweise an das Sammeln eher vertieft als erweitert. „Ich habe gelernt, dass sich Ehrlichkeit auszahlt“, reflektiert er. „Wenn man Entscheidungen aus tiefstem Herzen trifft, kann man nichts falsch machen. Für mich ist Kunst ein Begleiter im Leben, der Fragen aufwirft, an die ich sonst nie gedacht hätte, und mich dazu bringt, diese Fragen und Überlegungen mit anderen zu teilen.“

Dieser Ethos zieht sich durch das Programm der Stiftung mit Ausstellungen, Publikationen und öffentlichen Diskussionen, die jeweils durch einen sorgfältigen Austausch mit Künstler:innen und Kurator:innen definiert sind. „Als ich jung war, interessierte ich mich mehr für figurative und klassische Werke“, sagt er über die Entwicklung seiner Sammlung. „Dann begegnete ich der Konzeptkunst und es machte ‚klick‘ – als würde man auf seinem spirituellen Weg den Meister treffen, auf den man gewartet hat.“

Das Museum Liaunig liegt an einem Hang oberhalb der Drau im südlichen Kärnten und ist aus der Ferne kaum zu sehen, da seine lineare Betonform nur einen schmalen Glasstreifen zur Landschaft hin offenbart. Das von dem Wiener Architekturbüro querkraft entworfene Museum wurde 2008 eröffnet und 2012 unter Denkmalschutz gestellt. Seine zurückhaltende Geometrie und die präzise Nutzung des Tageslichts haben es zu einem Wahrzeichen der zeitgenössischen österreichischen Architektur gemacht.

Seit 2015 wird das Museum von Peter Liaunig geleitet, der selbst ein Architekturbüro in Wien betreibt. Er trat die Nachfolge seines Vaters Herbert W. Liaunig (1945–2023) an, der in den 1960er-Jahren mit bescheidensten Mitteln mit dem Sammeln begann. „Mein Vater stammte aus einfachen Verhältnissen und begeisterte sich schon als Schüler für Kunst, nachdem er einen Sammler mit Werken der Brücke-Künstler kennengelernt hatte“, erzählt Liaunig Maison Ë. „Als er als Student nach Wien kam, lernte er durch Drago J. Prelog Künstler:innen kennen, und bald begannen meine Eltern, das zu kaufen, was sie sich leisten konnten – manchmal auf Raten, manchmal nur, um die Wände ihrer Wohnung zu füllen.“ Auch seine Mutter sammelte, wobei sie eine Vorliebe für konkrete Kunst hatte. Liaunig wuchs also inmitten von Künstler:innen auf, erhielt sein erstes Gemälde als Taufgeschenk und begann selbst als Teenager zu sammeln.

Der Schwerpunkt des Museums liegt nach wie vor auf zeitgenössischer Kunst nach 1945, eingebettet in eine breitere Perspektive auf die künstlerische Entwicklung. „Die historischen Sammlungen unterstreichen auch das Bedürfnis der Menschen nach Schönheit. Sie dienen als Ergänzung und Kontrapunkt“, so Liaunig. In den unterirdischen Galerien werden diese früheren Werke gezeigt – europäische Porträtminiaturen, historisches Glas und Objekte aus verschiedenen Handwerkstraditionen –, während in den oberen Räumen, die sich über der Erde befinden, Gemälde, Skulpturen und Installationen aus der Nachkriegszeit gezeigt werden.

Passend für einen Architekten sieht Liaunig jede Begegnung als vom Gebäude selbst gerahmt. Natürliches Licht, das durch hohe Öffnungen einfällt, bestimmt das Betrachtungserlebnis. „Wir sind sehr stolz darauf, ein so gut funktionierendes Gebäude mit natürlichem Licht zu haben“, so Liaunig. „Tageslicht wird immer das Nonplusultra sein, wenn man moderne Kunst betrachtet.“ Auf dem Museumsgelände befindet sich ein Skulpturenpark mit „Hügeln und Nischen“, der von Weidlfein Landscape Architects entworfen wurde und die während des Baus ausgehobene Erde nutzt, um sanfte Hügel und Mulden zu schaffen, die nun großformatige Werke umrahmen. Die Freiluftausstellung umfasst Werke österreichischer und internationaler Bildhauer wie János Megyik, dessen Bilderwerk (2000–2016) mit geometrischer Präzision aus dem Gras emporragt. „Die Besuchenden nutzen den Park ausgiebig“, sagt Liaunig. „Das Spazierengehen in der Natur ist ein wichtiges Gegengewicht zu den vielen Sinneseindrücken im Inneren des Gebäudes.“

Fast zwei Jahrzehnte nach seiner Eröffnung entwickelt sich das Museum durch Kooperationen mit anderen Sammlungen weiter und präsentiert umfassendere und besser vernetzte Erzählungen über die Kunst der Nachkriegszeit. Liaunigs Vision basiert nach wie vor auf einer langfristigen Verwaltung und nicht auf einer Expansion um ihrer selbst willen. „Wir wollen auch in Zukunft gute Arbeit leisten und uns unentbehrlich machen“, erklärt er. „Das bedeutet ständigen Austausch, Innovation und harte Arbeit.“

Im Zentrum Berlins befindet sich die Boros-Sammlung in einem ehemaligen Kriegsbunker, dessen Gewicht und Masse noch immer die Straße dominieren. Das 1942 als Luftschutzbunker erbaute Gebäude diente später als Gefängnis, als Lagerhaus für tropische Früchte – was ihm den Spitznamen „Bananenbunker” einbrachte – und als Techno-Club, bevor Christian und Karen Boros es 2003 erwarben. In Zusammenarbeit mit Jens Casper und seinem Büro Realarchitektur verwandelte das Ehepaar den 3.000 Quadratmeter großen Betonblock in ein privates Museum, das 2008 für die Öffentlichkeit zugänglich gemacht wurde, und fügte oben ein Penthouse für ihren eigenen Wohnbereich hinzu.

Christian Boros, der sich in der Werbebranche einen Namen gemacht hat, geht das Sammeln mit derselben bewussten Mischung aus Intuition und Analyse an, die auch sein Berufsleben geprägt hat. „Ich trenne die beiden nicht voneinander“, erklärte er Art Design Café kurz nach der Eröffnung des Bunkers für die Öffentlichkeit. „Ich bin ein visueller Mensch und gleichzeitig ein denkender Mensch. Man könnte sagen, dass man in der Werbung und in der Kunst zwei Dinge braucht: ein gutes Auge und einen guten Verstand.“ Diese Balance untermauert die Entwicklung der Sammlung – intellektuell und doch instinktiv, ästhetisch und doch strategisch.

Der Bunker ist für die Öffentlichkeit ausschließlich im Rahmen von Führungen in kleinen Gruppen zugänglich, die zu einem ausgiebigen Betrachten und zu Gesprächen anregen sollen. Diese Art der Auseinandersetzung mit den Werken ersetzt die Neutralität eines Museums durch die Intimität einer privaten Begegnung.